Galerie & kunsthandel Elisabeth den Bieman de Haas

Dit is slechts een text-only versie van de site.
Klik hier om naar de flash versie van deze site te gaan

Corneille jeugdwerken

Galerie & Kunsthandel Elisabeth den Bieman de Haas heeft een omvangrijke collectie werken van Corneille. Bijzonder in deze collectie is het grote aantal vroege werken uit de periode 1943-1948. De kunsthandel heeft verschillende publicaties over Corneille uitgegeven.

De Nederlandse kunstenaar Corneille werd (als Corneille Guillaume Beverloo) geboren in Luik op 3 juli 1922. Nadat zijn familie enkele jaren in Haarlem had gewoond, vestigde Corneille zich in 1939 op 17-jarige leeftijd in Amsterdam. In de oorlogsjaren volgde hij teken- en grafieklessen aan de Rijksacademie. Op het gebied van de schilderkunst is hij autodidact. Op de academie ontmoette hij Karel Appel, met wie hij na de oorlog reizen ondernam en het ideaal van een totaal nieuwe, onconventionele kunst deelde. Beide kunstenaars waren op zoek naar een nieuwe beeldtaal, losgemaakt van het academisme en heersende tradities. Nieuwe ontwikkelingen werden op de voet gevolgd. Vooral schilderijen van Picasso en Matisse maakten grote indruk op de jonge Corneille. Het was een periode van experimenteren, die zou leiden tot een geheel nieuwe schilderwijze. Een reis naar Hongarije in 1947 bracht zijn ontwikkeling in een stroomversnelling; hij maakte er kennis met nieuwe kunstrichtingen en legde er belangrijke internationale contacten. Een jaar later werd hij één van de oprichters van de Experimentele Groep in Holland. In november 1948 behoorde hij tot de oprichters van de revolutionaire COBRA-beweging, die tot 1951 zou duren. De kunstenaars van COBRA, die zich tegen het academisme richtten, streefden naar een vrije kunst, waarin spontaniteit en oorspronkelijke creativiteit kernwoorden waren. Holland was al snel te klein en te benauwd voor ons, aldus Corneille. In 1950 vestigde hij zich definitief in Parijs.
Corneille heeft zijn leven lang verre reizen gemaakt. Hoewel zijn schilderstijl in de periode 1943 tot heden vele veranderingen heeft ondergaan – zijn feestelijk ogende werken uit de laatste decennia worden vooral gekenmerkt door de aanwezigheid van kleurrijke liggende naakten en vrolijke vogels – onderscheidt zijn gehele oeuvre zich door een ‘joie de vivre’ en een sterke vrijheidsdrang.

De Nederlandse kunstenaar Corneille werd (als Corneille Guillaume Beverloo) geboren in Luik op 3 juli 1922. In 1937 keerde zijn familie terug naar Nederland en vestigde zich in Haarlem. Corneille bleef nog een tijdje in Luik om zijn schoolopleiding af te maken. In 1939 keerde ook hij terug naar Nederland waar hij tekenlessen aan de kunstnijverheidschool in Amsterdam kreeg. In de oorlogsjaren volgde hij teken- en grafieklessen aan de Amsterdamse Rijksacademie. De eerste solotentoonstelling van Corneille vond plaats in 1946 in het ‘Beerenhuis’ in Groningen. In dat zelfde jaar nam hij deel aan de groepstentoonstelling ‘Jonge schilders’ in het Stedelijk Museum te Amsterdam. Een reis naar Hongarije in 1947 bracht zijn ontwikkeling in een stroomversnelling; hij maakte er kennis met nieuwe kunstrichtingen en legde er belangrijke internationale contacten. Een jaar later werd hij één van de oprichters van de Experimentele Groep in Holland. In november 1948 behoorde hij tot de oprichters van de revolutionaire COBRA-beweging, die tot 1951 zou duren. In 1950 vestigde hij zich definitief in Parijs. Corneille heeft zijn leven lang verre reizen gemaakt. Vele tentoonstellingen werden aan zijn werk gewijd; hij nam deel aan talloze groepstentoonstellingen, vaak in het kader van COBRA.

Aan de amstel

Gouache, 1946, 35 x 35 cm.

Zandvoort

Gouache, 1947, 28 x 36 cm.

Vrouw met poes en vogel

Gemengde techniek, 1947, 22 x 15 cm.

Vondelpark

Gouache op papier, 1947, 61 x 51 cm.

Zonder Titel

Pastel op papier, 1945, 43 x 28 cm.

Torso

Gouache, 1947, 24 x 20 cm.

Portrait d'enfant

Acryl op papier, 1947, 21.5 x 17.5 cm.

Laantje met pater

Gouache op papier, Limburg 1946, 51 x 47 cm.

Zandvoort aan zee

'Zandvoort aan zee', gekleurde inkt op papier, 24 x 36 cm.

Landschap in Zuid Limburg

'Landschap in Zuid Limburg', 1946, gouache, 44 x 53 cm.

Appelbomen in bloei, Thorn

'Appelbomen in bloei, Thorn', 1946, gouache, 43 x 75 cm.

Viskraampje Waterlooplein

'Viskraampje Waterlooplein', 1947, tekening in zwarte inkt op papier, 31 x 27 cm.

Oude man in Gent

'Oude man in Gent', 1947, aquarel, 17 x 16 cm.

Jong meisje

'Jong meisje', 1947, aquarel op papier, 44 x 29 cm.

Zonder titel, portret

'Zonder titel', portret, 1946, tekening in inkt, 16 x 15 cm.

Cirque

'Cirque', 1947, gouache op papier, 28 x 25 cm.

Corneille werk na 1950

Dario della Torre II

Acryl op doek, 2003, 50 x 70 cm.

La Règna du chat

Acryl op doek, 2003, 50 x 70 cm.

Les Trois Lunes

Acryl op doek, 2003, 55 x 65 cm.

Image du matin calme sur fond du mont Fuyi

Acryl op doek, 1989, 73 x 60 cm., gesigneerd en gedateerd midden onder en gesigneerd, gedateerd, getiteld op achterzijde.

Couple d'amoureux

'Couple d'amoureux', 1988, 22 x 18 cm, aquarel, tekening.

Zonder titel

'Zonder titel', 1953, sepia aquarel, 14 x 16 cm.

Landscape

'Landscape', 1955, gouache op papier, 11,5 x 27 cm.

Naakt

'Naakt', 1988, gouache (terra cotta) op papier, 33 x 24 cm.

Margharita

'Margharita', 1988, houtskooltekening.

Danseuse

'Danseuse', 1988, gemengde technieken op oude partituren

Zittend naakt met doek

'Zittend naakt met doek', 2002, 35 x 24 cm, aquarel op oude partituren

Corneille grafiek

Galerie & Kunsthandel Elisabeth den Bieman de Haas is uitgever van grafiek van Corneille. Deze litho's en zeefdrukken zijn exclusief te verkrijgen bij Elisabeth den Bieman de Haas. Het betreft enkele vroege werken van Corneille uit de periode 1946-1947 die op een later tijdstip zijn uitgegeven als grafiek. Ook behoren enkele recente litho's en zeefdrukken tot de eigen uitgaven van Elisabeth den Bieman de Haas.

La Chambre Rouge

Litho in een oplage van 125,1988

Blonde et Brune

Zeefdruk in een oplage van 125, uitgegeven ter ere van het 50-jarige bestaan van COBRA. 1947-1998

Liesje

Zeefdruk in een oplage van 200, uitgave ter ere van Corneille's 75ste verjaardag.1947-1997

Vrouw met masker

Litho in een oplage van 90, gedrukt op handgeschept papier. 1979

Dans le futur, du femme cyclope

Litho in een oplage van 125. 1947-2002

L' oiseau bleu à la main rouge

Litho in een oplage van 200. 1996

Femme avec chat

Zeefdruk in een oplage van 200, uitgegeven bij het 40-jarig bestaan van COBRA. 1988

Havana

Litho in een oplage van 125 op handgeschept papier. 2002

Femme et été

Litho in een oplage van 125. 1947-2002

Rood naakt

'Rood naakt', 76 x 56 cm, genummerde zeefdruk, oplage: 125 en 20 épreuve d'artiste, gesigneerd 1947-'97

Sami Briss

Sami Briss is geboren op 18 mei 1930 in Jassy, Roemenië. Aanvankelijk was hij na zijn opleiding aan de kunstacademie in Boekarest actief als graficus.
In 1959 vestigde Briss zich in Israël, waar hij o.a. muurschilderingen in openbare gebouwen maakte. In de jaren ’70 en ’80 heeft Briss internationale bekendheid verworven met exposities over de hele wereld. Sami Briss woont in Frankrijk
Het oeuvre van Briss is een weergave van een dromerige, tijdloze wereld, geïnspireerd op Roemeense folklore en icoonschilderkunst. In heldere kleuren schildert hij duidelijke, gestileerde vormen. Het zijn sterke beelden met een grote zeggingskracht. Zijn werk onttrekt zich aan artistieke trends, maar is zeer persoonlijk en heeft een sterk positieve en poëtische lading.

Sami Briss (1930) werd geboren in het Roemeense Jassy. Tijdens de tweede wereldoorlog bezocht hij in Boekarest de Academie voor Schone Kunsten. Ook werkte hij in de studio van Camil Ressu, een vroegere leerling van Gustave Moreau. Na de academie was Briss voornamelijk als graficus actief. Zijn houtsneden en litho’s tonen invloeden van Georges Braque. Als 29-jarige vertrok hij naar Israël om zich daar te vestigen. Uiteindelijk koos hij voor Parijs als plek om te leven en te werken. Vanaf 1967 toont Sami Briss, die grote internationale bekendheid heeft verworven, zijn werk op talloze solotentoonstellingen over de hele wereld.

MAR

Soms moet je even stil blijven staan om te ruiken aan die felgekleurde bloem, te kijken naar dat aandachtig spelende kind, te luisteren naar die violist in die verlaten metro van Parijs. De wereld kan zo prachtig, zo spannend zijn. (Mar)

Mar’s werken kenmerken zich door warme felle kleuren, die vertellen van levenskracht en puurheid in werken vol expressie en emotie, schilderijen waarin ronde, organische vormen in elkaar overgaan. Met sterke lijnvoering, maar bovenal kleur, waarin geen terughoudendheid te vinden is. Lichamen versmelten tot één of gaan hun weg, vertellen van het mysterie van het zijn, van een hand die streelt, een heldere lach, een nieuw leven. Vrouwen zijn zonder uitzondering het thema in haar schilderijen. De vrouw symboliseert voor Mar kracht en harmonie, maar ook kwetsbaarheid. Het oeuvre van Mar bestaat uit gouaches op papier, acryl op doek en grafiek.

Mar (1966-2002), geboren in Wageningen, studeerde rechten en kunstgeschiedenis en werkte in Amsterdam, Parijs, Londen en Antwerpen. Zij bezocht landen als Mexico, Guatemala, China, Hong Kong, Griekenland, Turkije, Ecuador, Toscane, Zuid-Afrika, Namibië, Tunesië en Portugal.
Al op jonge leeftijd had Mar haar eerste tentoonstelling. Sinds die tijd exposeerde zij regelmatig in binnen- en buitenland. Naast vele exposities in eigen land, vonden haar tentoonstellingen o.a. plaats in China (Master Paintings, Hong Kong), Duitsland (Blue Galerie, Mönchengladbach), Oostenrijk (Galerie am Opernring, Wenen), Zuid-Afrika (Stellenbosch, Kunstgallery), Londen (The City Gallery) en Antwerpen (Galerie Bernart).

Le Mystère

Gouache, 1998, 77 x 56 cm.

Solidaire

Acryl op doek, 1998, 40 x 30 cm.

Abandonnée

Acryl op doek,1995, 40 x 30 cm.

L'Embrassement

Gouache, 1992, 60 x 50 cm.

Lit.: C. Aaftink, 'Mar. Vrouw Gratie Mystiek', 2007, p. 122, afb. 132

Les Amants

Gouache, 1992, 65 x 50 cm., Lit.: C. Aaftink, 'Mar Vrouw Gratie Mystiek', 2007, p. 97, afb. 108

La Musicienne

Gouache, 1992, gouache, 60 x 50 cm., Lit.: C. Aaftink, 'Mar Vrouw Gratie Mystiek', p. 123, afb. 133

Renee van Leusden

Renée van Leusden geeft in bronzen beelden vorm aan emoties. Alles wat zich in het leven afspeelt, de gelukkige momenten, maar ook de diepe dalen, dit hele scala aan gevoelens maakt zij tastbaar. Daarbij is het weglaten van details een belangrijk kenmerk. Zij reduceert beelden tot een krachtige en veelzeggende essentie. Slechts een subtiel gebaar of een houding volstaat om een gevoel uit te drukken: bijvoorbeeld liefde, tederheid, angst, woede of machteloosheid.
Zij heeft een omvangrijk oeuvre opgebouwd. Nieuwe ontwikkelingen volgen elkaar in hoog tempo op. De intensiteit van het leven, dat constant in beweging is, is voelbaar in haar beelden, die een voortdurende ontwikkeling laten zien.
De bronzen mensfiguren die uit lappen werden opgebouwd, vaak zwierige lege jassen, maakten plaats voor gestileerde personen met een strakke lijnvoering. In een volgende fase leken de figuren zich voort te bewegen op langgerekte benen. Uit beelden van vluchtelingen, opgejaagde mensen over de hele wereld, die zij ‘Koerden’ of ‘Rwanda’ noemt, spreekt de grote sociale betrokkenheid van Renée van Leusden.
Een opdracht van TNO inspireerde haar om spannende beelden te maken van brons met transparant polyurethaan. Haar meest recente werk toont het gebruik van touw. Mensen zitten gevangen, hun emoties zijn aan banden gelegd of proberen zij juist hartstochtelijk uit de greep te ontkomen? Ook drukken krachtige balletdansers, elegant op hoge benen, hun gevoelens in dans uit. Verrassend in het nieuwe werk is het gebruik van kaders. Meer dan ooit speelt zij met de omringende ruimte die bepaald wordt door een of meer kaders. De verschillende interpretaties die deze nieuwe bronzen oproepen zijn boeiend.
Beelden van Renée van Leusden hebben een sterke zeggingskracht. Woorden zijn overbodig, haar persoonlijke universele beeldtaal spreekt al meer dan dertig jaar velen aan.

Renée van Leusden (Arnhem 1947) volgde haar opleiding o.a. aan de Koninklijke Kunstacademie in ’s-Hertogenbosch. Sinds 1973 werkt zij als zelfstandig kunstenaar. Haar werk is opgenomen in vele openbare, particuliere en bedrijfscollecties in binnen- en buitenland.

Zonder titel

Brons en polyurethaan

Zonder titel

Brons en polyurethaan

Zonder titel

Brons

Strijkkwartet

Bronzen beeld in een oplage van 6. Genummerd 2/6

Wereldburgers

Bronzen beeld, e/a.

Richard Baumgart

De New Yorkse schilder Richard Baumgart (1946) heeft een klassieke academische opleiding genoten. In tegenstelling tot vele collega’s verzet hij zich niet tegen deze traditie, maar voelt zich er juist toe aangetrokken en heeft er groot respect voor. Dit komt tot uiting in zijn werk. Van klakkeloos imiteren is echter geen sprake.‘Je schildert niet om schilderijen te maken, je schildert om de wereld te ontdekken’, aldus Baumgart. Invloeden van de door hem bewonderde Braque en Picasso zijn weliswaar in zijn werk te herkennen, maar hij gebruikt ze als waardevolle, universele uitgangspunten, waarop hij zijn eigen stempel zet. En zo tracht hij zijn gevoelens en ideeën weer te geven in zijn schilderijen vanuit een zo breed mogelijk perspectief, zich bewust van de omringende wereld. Eenmaal aan het werk worden die gevoelens minder belangrijk naarmate het schilderij vordert en zoals hij het zelf zegt: ‘Je schildert tot het idee verdwijnt, omdat je het niet meer nodig hebt, omdat het zichtbaar wordt’.

Richard Baumgart werd geboren in New York in 1946. In de periode 1970-1975 volgde hij zijn kunstopleiding aan de Norman Raebin School of Art, Carnegie Hall, New York City en in Pont-Aven in Frankrijk. Baumgart exposeert zijn schilderijen regelmatig in de Verenigde Staten, Frankrijk en in Nederland bij Galerie & Kunsthandel Elisabeth den Bieman de Haas.

Amsterdam

Olieverf op doek

Lucebert

Lucebert (1924-1994) heette oorspronkelijk Lubertus Jacobus Swaanswijk. Deze veelzijdige kunstenaar was een belangrijk dichter, schilder en tekenaar.
Al op jonge leeftijd hield hij zich bezig met dichten en tekenen. Om zich te ontwikkelen kopieerde hij afbeeldingen van werken van klassieke grote meesters. Vanaf 1947 richtte hij zich op de actuele kunst, een kunst die alle banden met de traditie en de klassieken verbrak. Hij stortte zich op de experimentele kunst en noemde zich voortaan Lucebert. Via de dichters Jan Elburg, Gerrit Kouwenaar en Bert Schierbeek kwam Lucebert in contact met Appel, Corneille en Constant. Als experimenteel dichter sloot hij zich aan bij de Experimentele Groep in Holland. Zowel dichters als schilders streefden naar een geheel nieuwe revolutionaire kunst die brak met het verleden.
Lucebert behoorde tot de Vijftigers en had een leidende rol in deze vernieuwende literaire beweging. Men noemde hem ook wel de ‘Keizer van de Vijftigers’.
Lucebert was ook betrokken bij de COBRAbeweging. In deze periode was hij vooral actief als dichter, tekenaar en schilder in gouache. Hij tekende in een nerveus en spontaan handschrift fantasiewezens tegen een achtergrond met structuren van krassen, stippen of lijntjes. Na de COBRAperiode dragen zijn schilderijen met expressieve fantasiefiguren nog steeds de beginselen van deze beweging uit door de bewust primitieve, kinderlijke en spontane stijl. Vanaf 1958 schilderde hij in olieverf op doek, een luxe die hij zich tot die tijd door geldgebrek zelden kon permitteren. Hij legde zich in de jaren ’60 vooral toe op de schilderkunst, terwijl voorheen zijn dichtkunst meer op de voorgrond stond. Lucebert, die doorgaans op een gestructureerde ondergrond zijn figuren met lijnen aanbracht, ging in de jaren ’60 met grovere lijnen en hardere kleuren werken. Zijn pessimistische kijk op de mensheid spreekt uit zijn schilderijen met gedeformeerde karikaturale wezens in een heftig expressionisme. Als een satiricus gaf hij zijn commentaar op de burgerlijke samenleving. Het thema van heersers en onderdrukkers die het waardevolle in weerloze mensen vernietigden kwam regelmatig in zijn werk naar voren. Lucebert was een geëngageerd, experimenteel en buitengewoon veelzijdig kunstenaar.

Lucebert werd geboren in 1924 in Amsterdam als Lubertus Jacobus Swaanswijk. Als tekenaar, schilder en dichter is hij autodidact. In 1938 had hij de mogelijkheid een half jaar lessen te volgen aan de Amsterdamse Kunstnijverheidsschool. Hij leidde vervolgens een zwervend bestaan. Samen met Anton Martineau had hij in 1948 zijn eerste tentoonstelling in Amsterdam. Via Gerrit Kouwenaar, Jan Elburg en Bert Schierbeek sloot hij zich in 1948 aan bij de Experimentele Groep in Holland. Werk van hem werd opgenomen tijdens de eerste grote COBRAtentoonstelling in het Stedelijk Museum in Amsterdam.
In 1952 vestigde Lucebert zich samen met zijn vrouw Tony in Bergen (N-H). Voor zijn poëzie ontving Lucebert vele eervolle prijzen: de Poëzieprijs van de Gemeente Amsterdam, de Constantijn Huygensprijs, de P.C. Hooftprijs, de Prijs der Nederlandse Letteren en de Jacobus Van Looyprijs voor zijn verdienste als dubbeltalent.
Zijn eerste solotentoonstelling kreeg Lucebert in 1958 bij Galerie Espace in Amsterdam. Een jaar later exposeerde hij solo in het Stedelijk Museum te Amsterdam en was zijn werk vertegenwoordigd op de Documenta II in Kassel.
Vanaf 1965 verbleef Lucebert grote delen van het jaar in Spanje. Hij woonde afwisselend in Bergen en in Spanje.
Het Stedelijk Museum in Amsterdam verwierf in 1985 een collectie met meer dan 800 werken van Lucebert en wijdde hieraan een expositie. Werk van Lucebert is vertegenwoordigd in verschillende Nederlandse musea, waaronder het COBRA Museum in Amstelveen.
Lucebert overleed in 1994 in het ziekenhuis van Alkmaar en werd begraven in zijn woonplaats Bergen.

Zonder titel

Acryl op papier, gelegd op doek, 1975

Eugene Brands

Eugène Brands (1913-2002) besloot op 25-jarige leeftijd dat hij kunstenaar wilde worden en leerde zichzelf schilderen. Hij ging experimenteren en hield zich aanvankelijk veel bezig met het creëren van objecten. Door Appel, Corneille en Rooskens werd hij betrokken bij de ‘Experimentele Groep in Holland’ en ‘Cobra’. Hij gebruikte ook na de Cobraperiode kenmerkende Cobramotieven in zijn werk. Wat betreft zijn liefde voor Afrikaanse muziek, zijn interesse in kindertekeningen en het belang dat hij hecht aan spontaniteit en vrijheid, passen de ideeën van Brands bij de opvattingen van de Cobra-beweging.
Brands heeft zich in zijn werk laten inspireren door enkele motieven die telkens terugkeren. Belangrijk is voor hem de kosmos, het universum en het besef dat hij slechts een nietig onderdeeltje hiervan is. Het mysterie van het oneindig grote heelal bleef hem boeien. Ook hechtte Brands veel waarde aan een van de wijsheden van de oude Grieken: ‘panta rei’ (alles stroomt). Alles beweegt voortdurend. De kunstenaar concludeerde dat als er een voortdurende beweging is, er dus nooit iets stil staat, en dat het leven daarom niet ophoudt bij de dood, maar voortduurt. Bovendien geloofde Brands niet in toeval, maar ging hij ervan uit dat ‘alles zo heeft moeten zijn’. Tenslotte was het begrip magie essentieel in de gedachtewereld van Eugène Brands.
Van 1950 tot 1960 maakte Brands vooral figuratief werk op een klein formaat. Het was de wereld van de kindertekening waarop hij zich vanaf 1950 toelegde. Hij bestudeerde de tekeningen van zijn driejarige dochtertje Eugénie en streefde ernaar net zo onbevangen te werken als zij. Zijn werk werd veel figuratiever. De fantasie van het kind, waarin veel plaats is voor sprookjes en magie, intrigeerde hem. Ook liet Brands zich in deze periode inspireren door kunstenaars als Klee en Chagall.
In de jaren ’60 veranderde de stijl van Eugène Brands opnieuw. De begrippen kosmos en universum en de voortdurende beweging (‘panta rei’) traden in dit werk weer duidelijk naar de voorgrond. Hij ging abstracter werken op een groter formaat. Kleurvlekken, waarbij zijn geliefde kleur oranje vaak voorkomt, laten vormen ontstaan, of eigenlijk een soort wolken. Vloeiende vormen lijken als wolken door het universum te drijven. Het heelal is voor Brands zijn gehele leven een voortdurende bron van inspiratie gebleven. Hij vond dat vorm en kleur zich vanzelf aandienden. ‘Ik ben geen zender, maar een antenne’, beweerde hij, ‘of meer een wichelroedeloper, die het penseel niet krampachtig vasthoudt, maar los op zijn hand legt en over het land loopt in afwachting of hij bij de bron komt.’

Eugène Brands werd in 1913 geboren te Amsterdam. Op 25-jarige leeftijd besloot Brands dat hij kunstenaar wilde worden: spontaan begon hij abstract te schilderen en te tekenen. Een directe aanleiding hiertoe was het bezoek aan de tentoonstelling ‘Abstracte Kunst’, een internationale presentatie georganiseerd door jhr. Willem Sandberg in het Stedelijk Museum. Brands vond zichzelf een autodidact. Zijn opleiding aan de Kunstnijverheidsschool in Amsterdam, waar hij de afdeling reclametekenen volgde, beschouwde hij niet als een bijdrage aan zijn kunstenaarschap.
Na de oorlog (vanaf 1943 zat hij ondergedoken op de Oudezijds Voorburgwal) mocht Brands zijn werken exposeren tijdens de tentoonstelling ‘10 jonge schilders’ in het Stedelijk Museum (1946). Tijdens deze tentoonstelling leerde Brands zijn mede-exposanten Karel Appel, Corneille en Rooskens kennen. Zij waren onder de indruk van zijn experimentele kunst. Appel en Corneille vroegen hem in 1948 toe te treden tot de ‘Experimentele Groep in Holland’. Aanvankelijk voelde Brands hier weinig voor: hij hield niet zo van groepen. Toch liet hij zich overtuigen en werd lid. De volgende stap was het ontstaan van de internationale Cobra-groep in november 1948. Brands behoorde niet tot de harde kern van Cobra, maar volgde het gebeuren op enige afstand. Hij nam niet deel aan de vele reizen.
Na het Cobra-avontuur trok Eugène Brands zich terug en zorgden de kindertekeningen van zijn dochtertje voor een verandering in stijl. Van 1950 tot 1960 maakte Brands vooral figuratief werk op klein formaat in een fantasievolle sprookjesachtige stijl. In de jaren ’60 veranderde de stijl van Eugène Brands opnieuw. De begrippen kosmos en universum en de voortdurende beweging (‘panta rei’) traden in dit werk weer duidelijk naar de voorgrond. Hij ging abstracter werken op een groter formaat.
Eugène Brands overleed op 15 januari 2002.

Tentenkamp

Gouache, 1967, 32 x 49 cm.

Zonder titel I

Gouache

Zonder titel II

Gouache

Zonder titel III

Gouache

Simon Barteling

Een nieuw gezicht in Le Salon Rouge is de beeldhouwer SIMON BARTELING (1939). Deze kunstenaar hakt beelden uit hout en steen, waarvan hij een aantal in brons giet. Meer dan 40 jaar geleden ontdekte hij tijdens het repareren van een paaltje in de tuin de boeiende structuren van hout en ontstond zijn passie voor beeldhouwen. Vanaf dat moment bleef hij, naast zijn werk als veterinair viroloog, actief als beeldhouwer. Zijn beelden maakt hij in Amsterdam, Frankrijk en in een studio in Brazilië, waar hij vaak werkt aan monumentale houten sculpturen. Hij verbleef regelmatig in Zuid-Afrika, waar de natuur hem bijzonder inspireerde.
Zijn boeiende materialen vindt Simon in zijn directe omgeving. Natuurlijke kleuren en grillige structuren in hout en steen sporen hem aan om bijzondere ruimtelijke vormen te creëren. Zo ontstaan antropomorfe beelden: geabstraheerde menselijke gestalten of fragmenten van het menselijk lichaam. Sensuele organische vormen, waaruit gevoel spreekt, of totemachtige figuren die soms Afrikaanse inspiratie verraden. Vaak herkent men in de gestileerde evenwichtige beelden twee figuren die samensmelten tot een intieme eenheid, liefdevol en teder. Uit de vaak robuuste beelden spreekt een achterliggende emotie. Mede door de natuurlijke materialen hebben zij een bijzondere uitstraling en een sterke zeggingskracht.